___A Year Of The Aural Gauge Operation (2005, Hapna)

According to Hapna's supplementary information for this record, the Bolognese quartet were keen here to produce a series of songs composed during improvisations mixed with electroacustic 'post-production' processes that take place in real time instead of being introduced during a later phase. Care and attention was paid to how the sonic peculiarities of the environment were channelled through the customized recording equipment and how prerecorded material should be introduced into the sound. All of which feels a bit like a more detailed "No overdubs" sticker, but fair play to the group: the results more than justify their methodology.
In this respect, 3/4HadBeenEliminated are the antithesis of the sliced 'n' diced approach to song practised by Markus Popp and Eriko Toyoda as So; the heavily processed mosaics of The Books; and recent examples of 'music of correspondence' from Simon Fisher Turner and The Nevermet Ensemble. On A Year Of The Aural Gauge Operation, the way they mould all these elements into coherent pieces in the moment is all important.
"Wave Bye Bye To The King" finally resolves itself as a song fragment after seven minutes of slowly mutating layers of sound. Even at their most disrupted , these pieces are all about flow, a throughput of ideas through the psychic/acoustic space (of the group's apartment, in fact, where this was recorded) at a point in time. The word 'songs' is used rather loosely here: the pieces are predominantly slow and instrumental. While the four musicians - who utilise everything from acoustic instruments to electric guitar, to field recordings and electronics - produce something fairly close to conventional structures for parts of "Monkey Talk", they hit their peak on "Widower", where vocalist Valerio Tricoli's melodic utterances stand like marker posts around which these currents of sound eddy. The group use the word 'psychedelic' in its purest sense to describe their music, and they are right. This album is stimulating, fascinating and most definitely mind expanding.
Mike Barnes, The Wire 265, March 2006.


A volte un nuovo disco arriva come un dono inaspettato. Libiri da costrizioni e incuranti di ogni must all'indomani di un promettente album d'esordio nell'ambito della sperimentazione radicale e dell'improvvisazione, i 3/4HBE riescono a stupire e lo fanno nel migliore dei modi. Stefano Pilia, Claudio Rocchetti, Valerio Tricoli (a cui si aggiunge il batterista Tony Arrabito, già ospite del primo album e di diversi live) non hanno paura di contraddirsi ma, per dirla con Walt Whitman, dimostrano di "contenere moltitudini". In altre parole realizzano, a modo loro, l'album rock. Pur conservando il bagaglio di suoni-fantasma, drones e distese malinconiche, ritmi implacabili, samples pungenti impiegato nel primo disco, in questa occasione i 3/4 danno libero sfogo a pulsioni precedentemente inespresse e creano una raccolta di brani, in alcuni casi mini-suite di dieci minuti, in cui prevalgono l'elemento "suonato" e un lirismo sommesso. Basti ascoltare la traccia di apertura Widower, la sua melodia che si manifesta senza troppi preamboli e gli squarci di una voce solitaria che risuona lontana, poi trasfigurata in una costellazione di effetti percussivi; oppure Labour Chant, con i suoi cori cupi e sospesi, samples che ricordano i momenti più introversi di Philip Jeck, un incessante gorgoglio sonoro di concretismi e cascate noise che sfocia nella suspense di arpeggi staccati e sussultanti; i riff di chitarra vagheggiati in As Of Yore, sepolti in un mare di field recordings da cui emerge un gemito straniante. Nel corso del disco troverete spesso voci che aleggiano tra residui sonori (Shifting Position), frammiste a crescendo di chitarre o racchiuse in un mare di risonanze memori del Grand Cinema di Dean Roberts (Wave Bye Bye To The King), raccolte in cori sghembi, ibridi di drone-folk stellare (Monkey Talk). Ogni Brano è intarsiato di raffinatezze sonore e dettagli preziosi; a volte vi sembrerà di trovarvi nelle lande brumose esplorate dagli Organum, in altri momenti le architetture corali riecheggiano della psichedelia più travolgente. Soprattutto - al di là di ogni possibile discendenza reale o immaginaria - ci sono quattro musicisti, e un disco, dalla personalità straripante. (8). Daniela Cascella, Blow Up #89


This supergroup among the new wave of Italian experimenters put out one of my favorite records of 2004 and returned in late 2005 with another favorite.  Members Valerio Tricoli, Claudio Rocchetti, and Stefano Pilia represent some of the most mystical, lyrical music I’ve heard come out of Italy or anywhere in some time.  ¾, their collaborative group, now with percussionist Tony Arrabito, make brilliantly inviting and adaptable music mixing melancholy chamber acoustics, ambient improvised textures, and woven electronic and mechanical effects.The sound is a lo-fi trio, languishing in a woody, golden room, half-asleep and wading through brushed textures and sad crescendos, while the fourth cuts into everything with slow slices of field noise, the occasional glitch-pop or little breaking object.  In my review of their first record, I talked about the way these interruptions, rather than leading outside, or becoming immediately contrastive presences, instead work at saturating or carving out an existing environment.  Incidental sounds pop into existence as guidance for the more conventionally song-like structures or become buried markers for shifts in the mood or momentum of a song, arriving with an arbitrary quickness that is never forced, always magical.  The general, droning quietude of the group’s self-titled debut made the subtlety of their methods more effective than it is on Year, a record more reliant on percussive, “pop” forms but also infinitely more lush in its assemblage of sonic details.  Vocals appear for the first time, and the musicians seem more confident in articulating even the smallest, potentially intrusive elements (including shrill alarm sounds and canned screams).  All in all, the sound is less veiled, less overcome by Pilia’s exquisite, Lid-ian guitar drones and more comparable to ambience in the natural world: more irregularities and lopsided rhythms, more chatter and clatter. Recognizable field captures from ocean and woods direct the mood more towards the pastoral than the monolithic, sublime abstractions of the band’s first disc, but Year’s mood is just as hard to isolate and should appeal to many tastes, from post-rock, to jazz, even glossy, symphonic rock or the most austere of experimental or contemporary classical.  My most obvious comparison is the recent work of Dean Roberts, with whom several of these Italians have worked, and who likewise embraces the synthetic punctuation of melancholy acoustic sound in the creation of ornate, baroque masses of sound as opposed to ascetic dissolves.  Though the out-of-improv feel of most of this disc tends to conjure ethereal imagery, each moment remains a monument to grandeur and presence, in sound, in life. Andrew Culler, Brainwashed


Expanding from a trio to a quartet for their second release, 3/4HadBeenEliminated move to an understandable spiritual home on the Hapna label, home to many things murkily artistic. Perhaps that may sound like damning with faint praise, but one thing that's enjoyable about A Year of the Aural Gauge Operation is how it suggests a variety of groups and sounds without specifically sounding like any of them. For every moment of shadowy, almost film-soundtrack style arrangements, there's a sudden burst of turntable scratching from Claudio Rocchetti or an upfront burst of acoustic strumming and plucking, yet the emphasis is on blending rather than contrasting sounds. The arrhythmic, blunt drum hits from Tony Arrabito on "Labour Chant" both cut across and perfectly suit the low, moaning drones and echoed scrabbling noises in the background, while "Wave Bye Bye to the King" feels like a short story come to life, a film noir treatment made all the more atmospheric by the drum shuffles and the air of looming threat as the song progresses. Opening song "Widower" sets the mood, to the point where by the time Valerio Tricoli's vocals come in at nearly six minutes, the soft, semi-whispered singing feels more like an additional extra element woven into the arrangements -- not buried, but not the raison d'etre of the piece. If any band bears a comparison, it might actually be Laughing Stock-era Talk Talk -- there's the same sense of crumbling-at-the-edges with the jump cut arrangements and sudden spurts of sound -- but to the quartet's credit, they don't specifically try to clone that legendary group (then again, to be fair, Tricoli's singing couldn't match Mark Hollis's no matter how hard he tried). Slyest song title (for one of the best pieces at that): the Roxy Music-referencing "In Every Tree a Heartache." Rated 4 out of 5. Ned Ragget, All Music Guide


Lerdahl e Jackendoff nell'applicazione del modello TGMT promulgavano un ritratto percettivo dell'atonalità come prolongational reduction, ovvero come disposizione degli eventi sonori dati dal movimento in tensione e distensione nelle coordinate dell'intervallo. Il livello di sensibilità, ma sarebbe meglio dire, quel mirabile effetto di perturbamento percettivo dell'ascoltatore, si determina in relazione al prolungamento ed al contrasto della gerarchizzazione lineare che queste unità discontinue provocano in funzione agli elementi che si marcano di volta in volta come eventi sintomatici nell'intervallo. L'intervallo consiste in movimento, nullità, divenire: sono questi gli spettri che emergono sempre come un'emergenza del presente, stanno in plein-air, s'intersecano come retrazione fluida nelle maglie della carne, portano ai contorni il colore da riempire ma il vuoto ha già un colore quando un altro colore lo riempie, e per riempire il vuoto c'è certamente bisogno di brutalità ed eversione. Valerio Tricoli è il custode dei grandi eventi da estirpare, un vero e proprio eversore ma coordinato, preciso, è un genio accanito di queste evoluzioni inespresse perché la sua pratica consiste nell'incestare modulazioni inattese per farle ciondolare nello spazio congelato, in penombra, di qualcosa che sarà. L'omoplasia che retroagisce come una caosmosi relativamente infinita dietro alla musica dei 3/4 ha qualcosa di stralunato e folle dato che sillogisticamente s'incarna di intrasportabili climax oceanici che provengono da spazi d'interno, si riconciliano nell'intratestualità tellurica, nell'intraferro del marasma concettuale, per portare la composizione su livelli di rizomatiche contingenzialità che hanno più materia neuronale e genomica quanto contrapposizione e non-sense panico. "A Year Of The Aural Gauge Operation", qualcuno direbbe che è quel proseguimento evoluzionistico dell'ultimo brano del primo disco dei 3/4 had been eliminated: quello era un brano rock, post-slintiano, c'era certamente dell'ironia rortyana lì, una mimesi che doveva per forza risolversi in contraddizione insanabile tra la materia del disco e la materia rock, ma era un tassello che si sfrenava da sé, apparteneva all'inizio, era forse un elemento solipsistico, dato dagli stessi procedimenti intuitivi del restante disco, ma faceva suonare quel disco come un'orgasmo rock sul finale ed in questo conteneva certamente qualcosa d'instabile proprio come si vuole che l'arte ne debba contenere. Il condensamento sintetico di questo nuovo lavoro, a differenza del primo, non lascia niente ai margini, vive soltanto in questi margini, sta nel margine e per questo non ne lascia fuori niente né si lascia fuori qualcosa. Questo significa che il secondo disco del gruppo che, insieme a Sinistri, sta riconcettualizzando avidamente l'emblematica dell'assenza qui in Italia, non è ancora un disco rock, ma proprio per queste motivazioni è più di un disco rock; non può dichiararsi immune dal vizio dell'organizzazione planetaria degli elementi, ne vive e ne contiene troppi, ma sono fantasmi, esistono come rigurgiti, presentano il mondo della psiche sulla sfera della musica come non si era fatto finora e come non si farà certamente da qui a poco. Da qualche parte Boulez scrive: "riprogrammare la macchina perché dia, ogni volta che si riascolta un nastro, caratteristiche differenti di tempo" ed è così che avviene qui senza minima d'ombra dubbio. Quel microfono a contatto che sullo sfinire dell'unico importante disco di Tricoli restava attaccato in quell'ambiente fatto di protezioni deboli come un vetro che captava l'esterno ma che restava insieme dentro lo spazio domestico di un solipsismo ma tutto proiettato sul mondo della vita husserliano, qui, sta dentro ogni singolo tape, ogni singola eruzione sismografica e sonora, non ha meno importanza della chitarra di Pilia che, nel primo pezzo innanzitutto, mima tutta la poetica sconfinata di distese desertiche, ha un'importanza paritaria se non superiore perché quello che emerge in questi incastri di sinfonismo e rock sono fantasmi d'assenza, ovvero un mondo dietro un mondo. La straordinarietà di quest'operazione transgenica, transegnica, consiste nel mantenere dentro un circuito perfettamente consapevole di sé tutto il caos della materia, senza schiacciarla, facendola vivere ed esistere in ogni momento, non come spazio di confusione ma anche come uno spazio d'accompagnamento ed è un'operazione più vicina alla musica di Berio che a quella dei gruppi della Constellation. Salvatore Borrelli, Sands-zine



___3quarters Had Been Eliminated (2003, bowindo)

"This awkwardly named ensemble is the collaboration between three of Bowindo's central players and co-founders, Stefano Pilia, Claudio Rocchetti, and Valerio Tricoli. The latter's Did They Did I? is one of the young label's best releases so far, and his comrades are no strangers within the budding Italian scene, Pilia with a CDR of beautiful droning guitar pieces on the Last Visible Dog label and Rocchetti with at least one lauded recording as Kitano. And while it might not be appropriate to call this disc the work of a "supergroup," as the sixth and latest Bowindo release it feels, at least, like the label's first truly essential product, the trio matching each other's talents to create a seven-part cycle of radiant acoustic imagery. 3/4HadBeenEliminated's 45 minutes unfurl in a graceful, gripping sweep that combines the Italians' tendencies towards lyrical improvisation and colorful electroacoustics, with a grounding in the kind of baroque assemblage techniques championed by people like Dean Roberts and Jim O'Rourke. It is a roomy collage of found sounds, entranced piano and strings, featherweight percussion, and the small-yet-tactile electronic manipulations most Bowindos manage with the such grace. Whole tracks are swallowed within drones of unquenchable warmth, carryovers from Pilia's Healing Memories record but without as grand a presentation, suggesting rather the distant, saturated golds of a Klimt painting. As with previous Bowindo releases, field recordings get incorporated in such a way that they guide or introduce certain portions of the piece rather than float along as surface filler, a subtle but effective way of carving an environment from the work itself. The result is the same kind of unreal ambience labelmate Guiseppe Ielasi regularly produces, an unpredictable landscape that reveals, only in afterthought (or aftershock), the rigorous method of its creation. At points during the disc a beautiful chamber ensemble emerges, picking apart minimal, plaintive lines, as if at the cue of a particular broken glass or cheap electronic whine. The effect of this invented troupe of players, slinking ghostly between so many golden guitar drones, sheets of harmonium haze, and assorted earthen resonance, only to appear with the arbitrary quickness of a twig snapping underfoot, is simply breathtaking, many listens over. "Bedrock" travels from a tender, big-band shuffle sounding almost like the Bad Seeds at their most sublime, to a lengthy area of abrasive shatter and pop, garage ambience that still manages to feel like just another station along the disc's narrative. When the associative strains of guitar and percussive foundations disappear, more discrete patterning of electrical hums, engine turnovers, and minor tape treatments become attempts at maintaining the momentum and sonic density of a particular moment, a method aimed at continuity rather than clash, and one that helps to create an incredibly fluid sound-world, full of juxtapositions, but ones which provide an indecisive magical middle passage. It's rare that works this complex also succeed in feeling as direct, regardless of particular directives changing with each listen, a compliment that can be paid to most of the Bowindo/Fringes releases I've heard. Discovering this label has been a joy, and both of its 2004 releases will rank among my favorites for the year." Andrew Culler, Brainwashed.com

[...] Instead of worrying about which shelf to put it on, enjoy the album's many irresistibly beautiful moments, from the gentle triple time guitar chipped away by field recordings on "The soul of the suits" - maybe that's the 3/4 that has been eliminated - via the distant children's voices and drones of "Memory Man" to the disarmingly simple acoustic balladry that closes "My smallest ego." For some reason, Gastr del Sol comes to mind. Don't be fooled though into thinking it's a turn-on-tune-in-switch-off thing: there are plenty of odd twists and turns - the disconcerting thuds and rips in "Bench / Frozen" are superb - the most surprising perhaps being the appearance of a real twanging binary groove in "Bedrock". But of course it doesn't end up going where you'd expect it to - the final minutes of the album sound like someone smashing up an abandoned warehouse. Fascinating, inscrutable and highly recommended. Dan Warbourton, Paris Transatlantic

"3/4 HadBeenEliminated is a trio formed by Stefano Pilia (a solo cd on Last Visible Dog), Claudio Rocchetti (two releases on Bar La Muerte - see archive - and S'Agita) and Valerio Tricoli (a cd on Bowindo, plus collaborations and productions with Dean Roberts etc.). Not sure about who plays what, but listed sources are "guitars, harmonium, double bass, percussion, glass harmonica, resonant pipes, objects, turntables, synthesizer, tapes, electronics, field recordings", with help from Antonio Albanese (percussion and glass harmonica) and Tony Arrabito (drums). I regret not having seen 3/4... in one of their recent tour dates, because they must be pretty explosive live. This eponymous cd has its better moments when the electroacoustic scrabblings, the gigantic harmonium drones and some serene, almost bucolic guitar strumming converge: tracks like "Getsemany Fields under impossible rain", "The soul of their suits" and "Bedrock" are nothing short of moving. Strangely enough, I always get the impression that this is a quiet cd - on the contrary, 3/4...'s intimism also has its psychic black holes, like the ominous, monumental drone of "My smallest ego" and the electronic hoarfrost of "Bench/Frozen". But the trio has a somehow more humane, "folk" approach to minimalism and microsounds - there's often a feel of open spaces here. Great stuff indeed, also because it doesn't fossilize on a pre-digested set of sounds, but rather dares to fuck around and sweat on them. Along with the Dielectric Minimalist All Stars (with whom they share at least a similar approach to playing/recording), this is one of the best experimental releases that I've come across recently. A new cd is due out on S'Agita, and Logoplasm are definitely another valid "spiritual comparison" to 3/4...'s romantic electroacoustics.4 out of 5." Eugenio Maggi, Chaindlk.com

"A formare questo progetto dal nome quanto meno insolito, sono tre compositori italiani assurti alla ribalta nei circuiti dell’elettronica di ricerca per le ottime prove soliste da loro pubblicate lo scorso anno. Stefano Pilia, autore di "Healing memories in present tension" (Last Visibile Dog), Claudio Rocchetti, messosi in evidenza con "The work called Kitano" (Bar la Muerte) e Valerio Tricoli, la mente dietro "Did I? Did They?" (Bowindo) dimostrano nelle sette tracce di questo cd come anche in musica l’unione possa fare la forza, sovrapponendo le loro istanze particolari in modo del tutto integrato e compatibile. La fusione dei droni minimali in lenta evoluzione di Pilia, con i collage espressionisti di Rocchetti e le composizioni elettroacustiche di Tricoli genera una sorta di sinfonia elettronica in grado di gettare uno sguardo a tutto tondo sulle tendenze più recenti in ambito elettronico (e rock).
"Getsemany Fields", il primo brano, inizia con scariche di glitch che lasciano il posto a inquietanti sibili spettrali e a un finale serenamente disteso che introduce il brano successivo. “The Soul of their suits” è l’episodio più accessibile del disco, ma anche quello più sapientemente elaborato, nel quale entrano in gioco anche strumenti tradizionali, come un placido arpeggio acustico o un harmonium che si distende in un flusso sonoro in lenta modulazione. Questo strumento ritorna (forse) anche in “My smallest ego”, il pezzo che preferisco, un esperimento sulle trame sonore, un drone organico e monolitico che, per quanto mutuato dalla psichedelia shoegazing, se ascoltato a volume sostenuto, riesce ad elevarsi a una maestosità quasi wagneriana.
“Standing position” e “Bedrock” sono le composizioni che più di tutte si fondano sulla manipolazione di suoni concreti. Il secondo, soprattutto, con i suoi undici minuti di atmosfere ambientali, echi cosmici, scariche elettriche e vetri calpestati dimostra come sia possibile creare da fonti ostiche e devianti una forma musicale accessibile e articolata che coinvolga emotivamente l’ascoltatore. In questo mare di rumori molesti non identificati è proprio un intervallo di convenzionale folk-acustico il vero “ribelle”, fuori posto e disadattato, per quanto nella realtà dei fatti risulti perfettamente inserito nel suo “sistema” musicale.
In generale, a impressionare è la capacità degli autori di produrre materiali apparentemente imprevedibili, ma che dimostrano, ad un ascolto approfondito, un’attenta e calibrata costruzione. Ad essere determinanti per il valore di questo cd sono un approccio emotivo ai microsuoni e, ovviamente, una spiccata sensibilità nella loro sovrapposizione, a dimostrazione del fatto che possono cambiare gli stili e gli strumenti, ma ciò che fa la differenza tra buona e cattiva musica è sempre lo stesso." 5 out of 5.
Massimiliano Osini, Rockit

The layered sounds is mixed at times with sweet guitar loops and interesting environmental backgrounds as heard in track two ­ The soul of their suits. This track builds and builds on concrete sounds and drones into something quite unusual.
More experimental tracks are filled with small sounds and delicate tones as in track four ­ Memory Man. This CD is not predictable at all. Most of what happens half way through a track is totally unexpected and often a pleasant surprise. The field recordings add a touch of the surreal to things.
Track five is possibly one of the most unusual with a build of sound eventually fading out and leading to what sounds like a couple of saxophones (although not listed) and somebody singing. Totally disjointed but clever and different.
Overall this is a very exciting mixture of everything you could and couldn¹t imagine. Truly unique.
Phosphor Magazine